С древних времен человек стремился запечатлеть красоту окружающей природы. Многие художники посвящали этому всё свое творчество. Таких художников называют пейзажистами, а их картины с изображением природы – пейзажами. Есть несколько видов пейзажа: городской, с видами городских домов и улиц; сельский с полями и деревенскими избами; морской, с видами моря. Картины с изображением моря называют маринами, а их авторов – маринистами.Русского художника Ивана Константиновича Айвазовского по праву считают великим маринистом. Море стало главным героем его произведений: то тихое, в лучах заходящего солнца, то бурное и необузданное в своих порывах. Многие картины художника посвящены кораблекрушениям. Самая известная из них - «Девятый вал». Она рассказывает нам о грозном натиске морской стихии, с которой всю ночь боролся экипаж погибшего судна. Несколько человек на плоту – вот всё что осталось от разбившегося во время бури корабля. Художник изобразил драматический момент, когда на плот, связанный уцелевшими матросами из обломков мачты надвигается самая страшная и высокая из волн – девятый вал. Девятый вал – по морским поверьям, последний и самый опасный порыв шторма, сметающий всё на своём пути. Однако конец испытания близок. Мы видим первые лучи восходящего солнца, в свете которого всегда стихает клокочущая ярость волн. Картина рассказывает нам о тех, кто спорит со стихией и покоряет её.В коллекции Государственного художественного музея Алтайского края находится авторское повторение всемирно известного полотна И.К. Айвазовского «Девятый вал» из собрания Государственного Русского музея.

Отправимся в гости к дружной крестьянской семье, оказавшейся в центре внимания художника Николая Петровича Богданова-Бельского. Кажется, мы пришли вовремя: они как раз пьют чай из большого медного самовара. Наверное, совсем недавно хозяйка чистила его мелом: посмотрите, как важно блестят его пузатые бока. Горячий чай разлили в стеклянные стаканы и, чтобы не обжечь пальцы, понемногу отливают в блюдца. Пьют степенно, не торопясь. Перед хозяйкой и малышами на столе стоят красивые фарфоровые чашки. Фарфор – самая красивая глиняная посуда. Она – белая, тонкая, звонкая. Кисть художника написала все это удивительно точно. Работа называется «Новые хозяева». Почему новые? Разве раньше в этом доме жил кто-то другой? Ответ на этот вопрос спрятан в самой картине. Приглядитесь внимательнее: вот один из сыновей, он сидит за столом на мягком кресле, ручки которого украшены красивою резьбою. Еще одно кресло художник написал у окна. Неподалеку мы видим часы. Здесь же портрет в золоченой раме. Непохоже, чтобы все это принадлежало этим хозяевам. Думается, раньше здесь жили другие люди. По каким-то причинам они вынуждены были продать свой дом зажиточной крестьянской семье. А вот печка-буржуйка, хомут на стене попали в дом вместе с новыми собственниками. Кстати, Николай Петрович написал еще одну картину очень похожую на эту. Она называется «Новые владельцы». Картины про крестьян были любимыми в творчестве художника.

Картина «Триумф Екатерины» была исполнена более 250 лет назад иностранным художником Антоном Рафаэлем Менгсом. Он приехал в Россию из Саксонии для того, чтобы написать портрет русской императрицы Екатерины II.Согласно моде того времени, мастер показал государыню не обычной земной женщиной. Он представил ее в образе древнегреческой богини правосудия - Фемиды. Посмотрите, в левой руке царицы - весы с двумя чашами. Одна из них - для измерения зла, другая - добра. Екатерина окружена персонажами древнегреческой мифологии. Художник поместил их на холсте не случайно. Каждый из героев полотна должен рассказывать зрителю о доблестных делах императрицы.По правую сторону от царицы – Афина, богиня справедливой войны и мудрости. Ее изображение говорит о мудрой и справедливой политике Екатерины II. Напротив мы видим Геракла - он означает силу и мощь Российского государства в период правления императрицы. Внизу, у ног Геракла, поверженное чудовище – гидра. С ее помощью художник рассказывает нам о побежденных врагах России во время царствования Екатерины II. У трона императрицы вы видите юношу в лавровом венке - это гений славы. В раскрытую на коленях книгу - Анналы истории, он записывает великие дела Екатерины II, чтобы донести их до нас с вами.

Портрет М.И. Барятинской, в замужестве княгини Кочубей был написан более 150 лет назад. Его автор – Кристина Робертсон. Эта художница – иностранка, она приехала в Россию из Англии по приглашению императора.Во время пребывания в России Кристина Робертсон в основном писала портреты членов царской семьи, людей приближенных ко двору. Имя героини портрета – Мария Ивановна Барятинская. Она служила фрейлиной при дворе императора Николая I. Это парадный портрет. Перед нами молодая дама 20-25 лет, одетая по моде своего времени. Ее длинные волосы заплетены в косы и свернуты в кольца на висках. Высокий лоб, платье, руки Марии Ивановны украшены драгоценностями. Художница обращает внимание зрителя не только на внутренний мир модели, она подчеркивает ее богатство, принадлежность к знатному роду.В старину, когда еще не изобрели фотоаппарат, портрет был единственным способом запечатлеть образ человека для потомков. Знатные люди заказывали портреты всех членов семьи и передавали их из поколения в поколение. Создавались целые галереи семейных портретов. Портрет М.И. Барятинской также сначала находился в фамильной галерее. Однако после Октябрьской революции 1917 года все произведения искусства стали общественным достояниям и были переданы в музеи.Портрет М.И. Барятинской попал в Государственный исторический музей. С 1960 года работа британской художницы Кристины Робертсон хранится в Алтайском художественном музее.

У картин, так же как и у нас с Вами, есть свой характер, свое настроение. У одних работ нам хочется улыбнуться, у других задуматься, погрустить…Картина «Могила на Волге. Окрестности Ярославля», написанная известным русским художником Алексеем Кондратьевичем Саврасовым, наверное, самая грустная в залах музея. Она знакомит нас с трагическими событиями в жизни художника. В этом произведении Алексей Кондратьевич рассказывает о своей дочке, которая умерла вскоре после рождения. Художник делится с нами горькими переживаниями и выбирает для рассказа грустные краски: темно-коричневую, серую.Печаль движет рукою мастера. Это же чувство рождается в душе каждого из нас, когда мы видим могильный холм, два креста, один из которых покосился, березу с облетевшей листвою. Чуть в стороне - чайка, мы, кажется, слышим ее тоскливый крик. Надо всем этим - мрачная грозовая туча.Но кроме печали в картине живет и надежда. Художник верит, что жизнь - это самое дорогое, что дано человеку, и вопреки всем невзгодам нужно продолжать жить. Поэтому дальше, за холмом, мы видим светлые волжские дали, белый парусник – символ надежды, солнечные лучи, пробивающиеся сквозь облака. А еще в сердце художника живет любовь к Родине. Он любуется красотой волжских просторов, учит нас любить родную природу, ценить жизнь.

Обратимся к «Портрету М.А. Бутиной» кисти Константина Егоровича Маковского. Перед нами пленительный женский образ: нежный овал лица с чуть заметной ямочкой на подбородке; выразительные, полные жизни глаза притягивают взор, заставляя задуматься о том, кем была эта девушка, когда она жила, была ли счастлива?Вряд ли мы можем ответить на последний вопрос. Но вот определить приблизительное время создания картины – в нашей власти. Во все времена женщины были большими модницами, поэтому наряд М.А. Бутиной – это свидетельство определенной эпохи. Заглянув в книги по истории костюма, мы узнаем, что фасон платья, изображенного К.Е. Маковским, его бледно-розовый цвет характерны для дамских туалетов конца XIX века. Тогда же у представительниц прекрасного пола пользовались популярностью кружевные воротники-стойки; ленты, повязанные в форме банта; мелкие пуговицы. Значит, эта картина была написана более ста лет назад и, глядя на «Портрет М.А. Бутиной», мы можем представить, как одевались наши прабабушки.Но Вам, наверное, не терпится узнать как можно больше о самой модели. Вот что стало известно о ней сотрудникам художественного музея. Полное имя Бутиной – Мария Александровна. Удивительно, но судьба героини портрета связана с Сибирью. Мария Александровна Бутина родилась в большой дружной семье, где кроме нее было еще семеро детей. Ее отец, получив отставку из армии в звании полковника, сначала служил чиновником в Архангельске, а затем перевез семью в Красноярск, где стал известным предпринимателем. Выйдя замуж за богатого золотопромышленника Михаила Дмитриевича Бутина, Мария Александровна уехала с ним в сибирский город Нерчинск. Однако по делам фирмы, супруги часто бывали в столице. Вероятно, в один из таких приездов и был заказан этот портрет, ставший впоследствии украшением дворца Бутиных в г. Нерчинске.Михаил Дмитриевич очень дорожил картиной и держал ее в своем кабинете. После смерти мужа Мария Александровна вернулась в Петербург. Как сложилась дальнейшая жизнь Бутиной неизвестно. А вот жители Нерчинска запомнили ее хлебосольной и радушной хозяйкой, верной спутницей и близким другом своего мужа. Согласно свидетельству современников, Мария Александровна вместе с супругом занималась благотворительностью, была членом нерчинского кружка любителей музыки и литературы, играла в самодеятельном театре.Любопытно, что при переезде в Петербург, Мария Александровна увезла с собою и свой портрет, который затем волею судьбы вновь оказался в Сибири – в собрании Художественного музея Алтайского края. И сегодня посетители нашего музея могут видеть Марию Александровну Бутину такой же молодой и прекрасной, как и сто лет назад, когда кисть талантливого художника в последний раз коснулась холста. Подлинное искусство не подвластно времени.

Подойдём к работе «Красная дача» Сергея Арсеньевича Виноградова. Она написана масляными красками, которые очень хорошо передают глубину цвета: синего, красного, зелёного, белого, жёлтого. Жёлтый цвет нужен автору для того, чтобы впустить в картину солнце, лучи которого запутались в изумрудной листве деревьев, опустились на сочную зелень травы. Солнечный свет здесь повсюду: в разноцветных пятнах на дощатых ступенях дачи, в причудливом сплетении ажурных теней на стене. Кажется, что в каждую краску автор подмешал капельку солнца.Основные цвета в картине – красный и зелёный. Они называются контрастными и усиливают звучность, яркость друг друга. Существуют и другие контрастные пары. Например, синяя и оранжевая. Эти краски есть в картине И.И. Левитана «Золотая осень» и называются «осенним контрастом», потому что напоминают нам о золоте осенней листвы и бездонной синеве неба. С.А. Виноградов использовал другой – «летний контраст» красного и зелёного, который вызывает у нас воспоминания о душистых лугах со спелой ягодой, спрятавшейся в траве.

«Лето – самое лучшее время года» - в упоении восклицал художник М.С. Сарьян. Наверное, многие из вас, согласятся с этим утверждением. Лето – это время, когда как можно больше времени хочется проводить на природе. Яркое солнце, теплый ветер, веселый птичий гомон так и манят нас отправиться в путешествие.Совершим прогулку вместе с мастером русской пейзажной живописи Василием Дмитриевичем Поленовым. Перед нами картина художника «Пейзаж с речкой». Нам стоит лишь крепко зажмуриться, сделать шаг вперед и мы очутимся среди бескрайних просторов русской природы. Нашему взору предстанут безграничные дали: поля, холмы, перелески, речка удивительной голубизны. Все это кажется нам знакомым, и все мы видим, словно в первый раз. Это потому, что сейчас мы смотрим на мир глазами автора. Мастер открывает нам неброскую, но удивительно дорогую сердцу каждого красоту родной земли, которую мы, занятые повседневными делами, часто не замечаем.Как много здесь воздуха и солнечного света! Нам дышится легко и свободно. Это оттого, что художник сумел показать подлинные краски окружающего мира. Василий Дмитриевич Поленов подолгу работал на пленере – открытом воздухе. Он стремился наполнить свои картины дыханием жизни. К этому же он призывал и своих учеников.Велика заслуга мастера. Он словно «открыл окно» в живописи, наполнив картины светом. Природа оживает под кистью талантливого пейзажиста, и мы ощущаем то, что кажется нельзя передать красками: вдыхаем пьянящий запах травы, нагретой солнечными лучами, слышим журчание воды в реке. Как много может рассказать нам талантливый художник!

Галерею женских образов в залах художественного музея продолжает работа известного русского художника Василия Андреевича Тропинина, написанная в 1838 году. Судьба этого мастера трагична. Большую часть своей жизни он был крепостным графа Моркова. Будучи замечательным художником, он по воле своего хозяина исполнял обязанности домашнего кондитера: делал пирожные и торты, прислуживал за столом. И только когда Тропинину исполнилось 47 лет, он получил вольную. Став свободным человеком, художник поселился в Москве.Современники видели в Тропинине непревзойденного мастера портрета. Известно, что когда Карла Брюллова просили писать портреты в Москве, он отказывался. Брюллов говорил, что у москвичей есть свой превосходный портретист – Василий Андреевич Тропинин. В.А. Тропинин постоянно совершенствовал свое мастерство. Он очень много работал, и большая часть написанных им картин – это портреты. На его полотнах можно видеть и дворян, и купцов, и людей из простого народа.Работа мастера из коллекции Алтайского художественного музея носит условное название «Дама в зеленом». Мы не знаем, как звали эту женщину. Вместе с тем, ее одежда и украшения говорят нам о том, что она была дворянкой. Кроме того, эта дама, как и Тропинин, вероятно, была москвичкой. Об этом свидетельствует ее одежда и обилие украшений. Один из современников незнакомки писал, что «в Петербурге любят роскошь, но не любят ничего лишнего», а Москве только одно лишнее и почитается роскошью. Между тем, в одежде этой женщины мы видим легчайший шелковый воротник с набивным цветочным узором. Этот материал был распространен в одежде дворян еще в конце 18 века. Вероятно, собираясь позировать художнику, дама хотела выглядеть как можно эффектнее. Поэтому она украсила свой наряд воротником, который был ей к лицу, несмотря на то, что он уже вышел из моды.Посмотрите, с какой точностью и мастерством В.А. Тропинин изображает поверхность материала. Глядя на картину, мы любуемся прозрачностью шелка и тяжестью зеленого бархата. Однако, главная ценность этого портрета в том, что он показывает нам не только внешний вид незнакомки, но и ее характер, настроение.Передача внутреннего мира, индивидуальности человека – эта сложная задача решается лучшими портретистами 19 столетия. Одним из них, безусловно, является Василий Андреевич Тропинин.

Художника Константина Алексеевича Коровина считают первым русским импрессионистом. Это сложное слово – импрессионист - родилось во Франции. Так назвали художников, которые стремились передать мимолетное впечатление от окружающего мира. Их быстрая кисть могла запечатлеть стремительное движение балерины в танце, звуки вечернего города.Картины импрессионистов необычны. Вблизи они похожи на мозаику из разноцветных пятнышек. Но на расстоянии мазки сливаются в изображение, и мы видим очертания предметов, фигуры людей. Поэтому как раз работу К.Коровина «Две дамы на террасе», с которой мы сейчас познакомимся, лучше рассматривать издалека.Картина написана яркими звучными красками. Художник накладывает их на холст раздельными мазками, и мы можем видеть каждое движение руки мастера. Окружающий мир изменчив, поэтому художник торопится. Он пишет без предварительного наброска, чтобы успеть показать нам удивительную красоту этого мгновения. Наверное, на душе художника в этот момент легко и радостно. Его героини полны света. Мы не видим их лиц, но, кажется, что они молоды и непременно хороши собой. Их фигуры призрачны, они будто бы сотканы из солнечных лучиков.Формы предметов, фигуры людей написаны обобщенно. Художник не останавливается на деталях, стараясь показать только самое существенное. А самое важное здесь – это ощущение безоблачного счастья, как если бы вы проснулись рано утром и почувствовали, что вас переполняет радость.

А.М. Горчаков – известнейшая личность в истории России. Окончив Царскосельский Лицей с золотой медалью, он поступил на службу в Коллегию иностранных дел и сделал блестящую дипломатическую карьеру, позже был министром иностранных дел, канцлером. Уже в ранней юности в нем проявились качества, необходимые для дипломата.Вот как о своем воспитаннике писал директор Императорского Царскосельского лицея Василий Малиновский: «Князь Горчаков превосходных дарований. Благородство с благовоспитанностью, крайняя склонность к учению, ревность к пользе и чести своей, всегдашняя вежливость, искренность в обращении, усердие, ко всякому дружелюбие суть неотъемлемые принадлежности души его … При том он осторожен, проницателен и скромен».Дополнить эту характеристику можно словами А.С. Пушкина, с которым А.М. Горчаков был в приятельских отношениях. В одном из посланий лицейскому товарищу поэт написал:Тебе рукой Фортуны своенравнойУказан путь и счастливый и славный, -И нежная краса тебе дана,И нравиться блестящий дар природы,И быстрый ум, и верный, милый нрав;Ты сотворен для сладостной свободы,Для радости, для славы, для забав.Картина из нашего музея, выполненная Н.Т. Богацким, показывает А.М. Горчакова достигнувшим зрелого возраста, в ореоле славы. Об этом нам говорят многочисленные награды на фраке портретируемого. Среди них: звезда Андрея Первозванного I степени, орден Святого Владимира, австро-венгерский знак Ордена золотого руна на красной ленте и Панагия Александра II, которую мы видим на лацкане. Последняя награда выдавалась из рук самого императора людям, наиболее отличившимся на государственной службе. За заслуги перед Отечеством А.М. Горчакову также был пожалован титул Светлейшего князя, который обычно имели только члены царской фамилии.Алексей Михайлович Горчаков прожил долгую жизнь. Он умер последним из лицеистов первого выпуска. Наши современники достойно хранят память о выдающемся соотечественнике. Так, в Москве его именем названа улица и станция метро, в Александровском саду в г. Санкт-Петербурге установлен бюст канцлера. Исполненный внутреннего благородства образ А.М. Горчакова запечатлен на полотнах русских и иностранных художников.

Картина «Горный монастырь» написана Федором Михайловичем Матвеевым около 200 лет назад. Тогда считалось, что художники не должны изображать повседневную, привычную для взора человека природу. Поэтому мастера русской живописи отправлялись в чужие страны, где они рисовали старинные замки, монастыри, бурные водопады, морские дали, скалистые берега, залитые призрачным светом луны и уходящие к горизонту силуэты горных вершин. Минувшее казалось художникам более привлекательным, чем настоящее, а идеалом виделась античность – культура Древней Греции и Рима.Федор Михайлович Матвеев провел в Италии большую часть жизни. Он приехал сюда для совершенствования своего мастерства по окончании Академии художеств. Такая возможность предоставлялась только самым талантливым выпускникам. Ф.М. Матвеев был одним из лучших – он закончил Академию художеств с Большой золотой медалью.Полотна Ф. М. Матвеева похожи на чудесную, но несбыточную мечту, потому что в них показана красивая, но чужая, далекая земля, чужое, далекое небо. Как правило, в произведениях мастера мы не встречаем известных памятников архитектуры. Художник сочиняет свои холсты, рассказывая нам об идеальном мире, существующем вне будничной суеты.Картина Ф.М. Матвеева «Горный монастырь» – это тоже пейзаж-мечта. Уже само название работы настраивает зрителя на спокойный, размеренный лад, дарит ему ощущение неземного покоя и безмятежности. Рассматривая произведение, мы везде находим гармонию и порядок. Изображение четко разграничено на планы. Первый план картины погружен в тень, отчего написанные здесь деревья, фигура монаха, сидящего на каменных ступенях, обретают особую таинственность, сказочность. Второй план ярко освещен лучами заходящего солнца. Розовые отблески заката отражаются на стенах монастыря, каменистой террасе и теряются в небе. Высокое небо, написанное художником на третьем плане, кажется нам безграничным. Еще один день близится к вечеру, еще один день из вечности, рожденной кистью талантливого мастера.

Работа Петра Ивановича Петровичева «Ранняя весна» рассказывает нам о прекрасной поре в жизни природы – её пробуждении.Т-с-с-с… Слышите как шумят макушки деревьев над головой? Прохладный воздух наполнен бодрящей свежестью. Дышится легко и свободно.Посмотрите, как с приходом весны изменился цвет неба, травы, деревьев. В картине ещё много осенних красок – жёлтой и коричневой. Художник смешал их между собою, чтобы написать прошлогодние листья и траву, которые плотным слоем укрывают землю, совсем недавно освободившуюся от снега. Однако приглядевшись внимательно, мы увидим пробившуюся местами первую зелень. Талые воды питают землю, и она пробуждается ото сна, давая начало новой жизни. Ещё немного и на деревьях набухнут и лопнут почки, появится молодая клейкая листва.В хмурую и холодную краску серого вечернего неба автор добавил акварельную нежность розового цвета. Это отблеск лучей заходящего солнца, ещё по-весеннему робкого. Но пройдет совсем немного времени, солнечные лучи согреют землю и всё в природе проснется. Мокрые стволы берёз, окутанные сейчас голубыми тенями сумерек, зазвенят нарядной белизной. Лес наполнится птичьим гомоном, в гнездах требовательно запищат желторотые птенцы. Но, пожалуй, нам не стоит торопиться, ведь каждое время года по-своему прекрасно.

Остановимся у работы Ивана Кузьмича Макарова «Портрет В.Н. Львовой ребёнком». Этот художник был отцом большого семейства и очень любил детей, поэтому детские портреты удавались ему особенно хорошо. Мастер писал своих детей, которых у него было 14. Им были выполнены портреты дочерей Александра Сергеевича Пушкина и многие другие.Сейчас перед нами – Варенька Львова. Несмотря на совсем юный возраст модели – два или три года, художник показал нам её маленькой женщиной. Одежда девочки - белое пышное платье с оголёнными плечами, напоминает бальный наряд светской дамы. Её большие серо-голубые глаза смотрят на нас спокойно и по-взрослому серьёзно. Кажется, что, работая над портретом маленькой Вареньки, художник предвидел удивительное будущее своей героини, жизнь которой могла бы быть примером для многих из нас.Старинные портреты хранят множество загадок. Наша работа – тому пример. Если мы внимательно рассмотрим оборотную сторону портрета, то найдём здесь полустёршуюся надпись: «С Варвары Николаевны Львовой подарок мужу гр. Б. 30.04.1889 г. в день свадьбы и её рождения (1864)». Так значит, В.Н. Львова вышла замуж в возрасте 25 лет, и именно эта работа стала свадебным подарком её мужу. Но как его звали, что означает – «гр. Б.»? Можно предположить, что сокращённое «гр.» – это граф, а «Б.» – первая буква неизвестной пока для нас фамилии. Именно к этому выводу пришли сотрудники музея, когда работа была передана им на хранение.Разгадать надпись полностью тогда не представлялось возможным. Долгие годы имя супруга В. Н. Львовой оставалось тайной. И вот, совсем недавно, в музей обратился потомок старинного рода Львовых, к которому принадлежала и Варвара Николаевна. С его слов сотрудники музея узнали, что «гр. Б.» – это граф Алексей Алексеевич Бобринский. Владимир Олегович Львов – так звали необычного посетителя, поведал нам удивительную историю жизни В.Н. Львовой, детский портрет которой волею судьбы оказался на Алтае, за тысячи вёрст от мест, где она родилась и выросла.

Перед нами картины лучших русских художников, имена которых знакомы нам с детства. Один из них – Иван Иванович Шишкин – художник с лесной фамилией, который больше всего любил писать лесные чащи.Одна из таких работ мастера находится в коллекции художественного музея Алтайского края. Вот он, любимый «шишкинский» лес, с огромными соснами, верхушки которых художник срезал краем полотна. Почему он это сделал? Может быть, Шишкину не хватило холста? Вовсе нет, художник намеренно использовал этот приём, чтобы показать нам сосны-исполины ещё больше, величественнее.Иван Иванович Шишкин обладал особым даром, он знал язык природы, понимал разговор воды и деревьев. Он писал свои полотна с большой любовью к каждому цветку, пню, травинке. Картина открывает нам особый мир, увиденный глазами художника, которого по праву называют «певцом русского леса».

Познакомимся с картиной Павла Варфоломеевича Кузнецова «В степи». Художник не случайно обращается к этой теме - она ему близка и понятна. Детство и юность Кузнецова прошли на Волге в г. Саратове. Заволжские степи всегда манили, притягивали мастера, будоражили его воображение.Эта картина – особенная. Она рождена мечтой художника о красоте и гармонии, которых он не находит в повседневной жизни. Чудесные образы, созданные кистью мастера, приходят к нам из снов и фантазий. Воображение автора увлекает нас в диковинную страну, обитатели которой живут в мире с собой и окружающим. Здешняя природа – сказочно прекрасна, жизнь людей нетороплива. Так же, как и художник, они мечтают о чём-то высшем, неземном.Автор не стремится в точности показать природу, быт кочевников. Фигуры людей, деревья, степные дали – всё передано обобщённо, П.В. Кузнецов не прописывает деталей. Красота земли вообще, а не конкретного её уголка, единство человека и природы – вот, что влечёт художника.Живопись мастера нежная, как бы трепещущая. Краски на холсте живут в удивительной гармонии друг с другом, они легки и прозрачны. Живопись П.В. Кузнецова – это музыка для глаз. Его картину можно не только видеть, но и слышать. Задержавшись у работы подольше, Вы непременно услышите чарующую музыку. Её звуки исполнены света, она льётся легко и свободно, как лучи солнца, и дарит нам ощущение покоя и умиротворённости. Должно быть, эта музыка звучала в душе художника, написавшего картину-мечту.

Картина Юлия Юльевича Клевера называется «Зимний пейзаж». Земля, крыши домов, деревья – всё здесь укутано пушистым снежным покрывалом. И снег везде разного цвета. На крыше избы, где едва видны отблески заката – он чуть розовый. Ближе к земле, куда уже опустилась ночная мгла, и сгустились тени, – мы видим серо-голубые пятна.Приглядевшись внимательно, мы найдём на снегу и другие краски - зелёную, фиолетовую, коричневую… Значит, снег не белый, он разноцветный, потому что мир вокруг нас окрашен в разные цвета, которые в природе постоянно смешиваются. Деревья и кусты дарят снегу оттенки коричневого, вечерние сумерки оставляют на его поверхности серую дымку, от которой становится ещё холоднее.А вот в избе, чьё окошко приветливо светится в темноте, а крыша укрыта снегом, словно шапкой сказочного великана, должно быть тепло и уютно. В печке, наверное, весело трещат берёзовые поленья, а кот-мурлыка, свернувшись калачиком у огня, ворчит, зиму ругает, лето тёплое вспоминает.

Скульптура – одно из самых древних искусств. У нее есть свой собственный язык, с помощью которого скульптор рассказывает нам о мире, который его окружает. Художник-живописец разговаривает с нами на языке красок, сочетания которых радуют наш глаз, помогают почувствовать красочное богатство мира. Скульптор лепит свои произведения из глины, высекает их из камня или вырезает из дерева.Например, любимыми материалами французского скульптора Жана Антуана Гудона были мрамор и бронза. Ж.А. Гудон родился в Версале. В 12 лет он был принят в Академию художеств, а когда ему исполнилось 23 года, он как один из лучших выпускников Академии отправился в Рим. Здесь его внимание привлекла античная скульптура.В 1776 году Гудон создал парковую статую бегущей Дианы. Диана – в древнегреческой мифологии богиня охоты, дочь бога Юпитера и нимфы Латоны. Ее было принято представлять стройной и изящной юной девой в короткой тунике, с луком или дротиком в руках, в окружении животных. Гудон изобразил Диану нагой.Позже Гудон сделает еще несколько скульптур Дианы. Они будут выполнены в различных материалах: гипсе, мраморе. Скульптура богини Дианы, которую мы видим в музее, отлита из бронзы. Мастер великолепно сумел передать стремительное движение бегущей богини, ее легкую поступь, грацию. Эта работа - уменьшенное повторение мраморной статуи, которая сейчас хранится в Эрмитаже.